VISO OUT FESTIVAL: CAPÍTULO UNO
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VISO OUT FESTIVAL: CAPÍTULO UNO

VISO OUT FESTIVAL / PRÓLOGO

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En está, la cuarta edición de VISO OUT FESTIVAL podría decirse que las riendas del festival se han pasado a las manos de las generaciones más jóvenes, el VISO (su nombre corto) siempre se ha caracterizado por ser una plataforma que presenta a la danza y al movimiento a partir de propuestas mas experimentales y performativas, presentando no solo coreografía, sino también instalación, intervención, performance y demás dispositivos escénicos. El año pasado se incluyó una pieza teatral al programa, en esta edición la presencia del teatro en la curaduría fue sin duda mayor.

He visto el nacimiento y desarrollo de la propuesta de VISO, en mis días de estudiante y posteriores. Antiguas ediciones eran mayormente organizadas por los maestros más jóvenes de la danza como cabecillas, o por lo menos así se lograba apreciar desde afuera, contando en su comité también con la presencia de alumnos y de personas fuera de la UNISON aunque no por eso lejanas.

Este año, la plataforma VISO se abrió realmente a las nuevas caras y propuestas de la escena joven, a los estudiantes, por supuesto resultado de su nueva organización, VISO está mudando de piel, es un cambio natural, lo cual arroja una combinación interesante. Somos los mismos que cuando empezamos pero ahora ha llegado la caballería; ser amateurs no nos hace tímidos, tenemos mucho que decir y la sangre nueva está inyectándose cada vez más en nuestra comunidad.

La Comunidad fue justamente el tema principal de la mayoría de los conversatorios y no solo de este festival; El Filete cumple ya seis meses escribiendo sobre el desierto, seis meses de valorar (del verbo querer) la butaca y reflexionar la escena. No es coincidencia que la mayoría de los festivales estén preguntándose ¿qué significa la comunidad?, ¿existe?, ¿pertenezco a una?.

A resultado de los conversatorios es que puedo decir que casi todos coincidimos en que no existe una comunidad general (esto abonado por el hecho de que a los conversatorios se invitaron bailarines, actores, directores, músicos, periodistas, escritores, artistas circenses, psicólogos, gestores, economistas y más) somos en realidad pequeñas islas, grupos con intereses afines. Por ello creemos en que no es necesario ser amigos para poder hacer comunidad, basta con reconocer al otro, a su trabajo, tomar acuerdos, construir lazos y puentes, optar por el trueque y por el intercambio.

Sin duda ya tenemos algo que nos une y con que fuerza: el arte, su difusión, su dignificación, su enseñanza y pedagogía. Aunque aún no terminemos de ponernos de acuerdo eso está cambiando poco a poco, la comunidad está buscando ser una, una más abierta, más crítica y más inclusiva, la prueba de eso es VISO, Teatro Breve, UDPD, etcétera.

Ahora hablemos concretamente de lo sucedido en el escenario, recordando que, para muchos artistas estas funciones representan sus pininos, sus primeros trabajos con voz propia, un detalle que no hay que olvidar a la hora de analizar o leer las siguientes opiniones.

BITÁCORA DEL ESPECTADXR

DÍA UNO / SÁBADO 2 DE JUNIO

PARURE

Jaqueline Flores.

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Me pareció una pieza vacía y floja, con una construcción precaria, tan solo secuencias de movimiento diluidas en acciones sin sentido. Carentes de símbolos.

Hay un objeto en escena, una silla que adorna el cuadro y se utiliza poco, es el único elemento además de la bailarina. Pero insisto, carece de peso. Es un trabajo corto y casual, con las pocas gestualidades sobrepuestas o nulas, me dejó con muchas preguntas, aunque me dijo poco, me gustaría poder abonar esta crítica con argumentos más técnicos o elaborados, pero incluso en el instante la pieza me dijo casi nada, lo cual me dejó sin pistas y sin interés.

EL OLVIDO

Dirección: Melanie Robles / Intérprete: Danahee Félix.

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La composición de la escena era interesante, vemos a una chica sobre un tapete de periódicos, un pizarrón con fechas, y una media luna con más fechas 00/00/00 que marca el límite del público. Pueden apreciarse los tenues tejidos de la dirección, sin embargo, la interpretación deja bastante que desear, en la escena no pasa mucho hasta el clímax y por segundos la pieza vive y muere en el mismo instante, un rush de éxtasis.

Al salir de la función, pregunté a los asistentes lo que pensaban de todas las piezas, está en particular fue recordada por todos ellos como “la de los pichones”, puesto que la pieza fue interrumpida intermitentemente por los lamentos de un par de aves, su gañido no era más que la respuesta al tono agudo de la música, lo cual hacia competir a la intérprete con los pichones por la atención del público. Otro de los comentarios fue: la invitada especial de la pieza, una chica que observaba y grababa con su celular dentro de la escena de lado izquierdo, algunos pensaban incluso que ella era parte de la coreografía y que se agregaría al movimiento, hubo quienes esperaron el momento y no sucedió. ¿Quién era?, ¿estaba dentro o fuera de la pieza?, si era público ¿por qué era la única que podía estar ahí? Cuando incluso hubo gente que no alcanzaba a ver desde la parte de atrás, son justo esos pequeños detalles que creemos el público no nota, pero que sí ve y sí le importan.

AVANT_KONAMI

Intérpretes: Ramiro Iglesias, Edgar Lizárraga y Estefanía Iglesias.

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AVANT KONAMI es un dueto de rock psicodélico experimental con base en el beat electrónico, donde sobresale el sonido particular de una mezcladora de casettes (una descripción personal que hago al tanteo). Toda la música desde sus pistas hasta sus letras, son originales y son creadas por Ramiro Iglesias y Edgar Lizárraga. La intervención de VISO lleva el nombre de la banda y es presentada por Estefanía Iglesias con un solo de danza.

La estética, el vestuario, la iluminación y por su puesto la música, engloban una sola propuesta, un concepto electrónico y robótico, movimientos cortantes, repetitivos. Hay una línea clara de construcción, Estefanía presenta fotografías de movimiento y secuencias cortas que al inicio resultan interesantes, pero no logran estar completas. Es decir, interpretativamente, simbólicamente, luego la pieza se alarga y esas pequeñas pistas se pierden entre el tiempo y el estrobo para el espectador.

La música en vivo siempre se agradece, pero también es un arma de doble filo, pronto la gente abandona la pieza y se enfoca en los músicos, su atención hace tiempo que dejo de estar sobre Estefanía, el público se encuentra en un círculo entre ella y los músicos, incluso les dan la espalda, la gente se para y se retira, pero al pasar por los músicos, ellos vuelven a retener al público por un momento, ese fue sin duda un diseño espacial que no favoreció a la pieza.

El día en general jugó con la atención, desde la nada y la banalidad o un par de pichones llorando hasta un excelente grupo musical de fondo, donde al final el foco terminó en sitios no deseados, logrando que el interés del público se sintiera como una marea tranquila e indiferente. Por último, algo que no puedo dejar de comentar, fue un gesto, ese movimiento que se repitió en las tres coreografías, en los tres solos de estas tres chicas, que aunque se presentó con diferentes intenciones o calidades, al final las tres intérpretes arrojaron la misma referencia sin peso y sin sentido: un solo donde la bailarina se arrodilla y frota su cara contra el piso con desdén.

DÍA TRES / LUNES 4 DE JUNIO

A LOS 16

Texto: Aziz Córdova / Dirección: Carlos Murguía / Elenco: Claudia Paola Ávila, Adriana González, Ramsés Carranco y Katur Bejarano.

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Un gran trabajo de poesía escénica, que por supuesto parte de un gran texto, de un poema fatalista, risorio, elocuente y sarcástico que habla del reto de vivir con la idea de que no somos lo que creíamos que seríamos cuando teníamos 16, porque “a los 16 nunca imaginé que todos mis planes fuesen a fracasar”.

Con un trabajo escénico resuelto justo a partir de lo mismo que propone el texto de Aziz, de la risa y el sarcasmo, de la vida, del beat, del movimiento, del grande de Espineta, de lo poético que es tener 16 años y creer en el mundo o peor aún creer en uno mismo con esa fuerza que se tiene a los 16.

Un elenco que generaba una organicidad que nos hacía cómplices pero que al mismo tiempo nos permitía escuchar y comprender lo dicho en la escena, era como tener una plática con cualquier amigo, una frescura en su teatralidad que le permite no ser un poema más recitado de los dientes para fuera o una actuación acartonada donde el protagonista es el actor y no el personaje, se puede observar la libertad y el goce de Carlos y su elenco al trabajar en la pieza. Partir de un texto no dramático requiere de una gran dirección y de mucha creatividad, esta pieza sin duda cumple con ambas, y le ofrece al teatro hermosillense una bocanada de aire fresco y sincero.

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FEMME

Colaboradoras: Odalis Livier, Danahee Félix e Ivanka Argüelles.

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¿Qué es algo peor que una pieza que no dice nada? Una pieza que refuerza estereotipos, discriminaciones y violencias.

Tres mujeres en ropa interior negra con labios y zapatillas rojas, paradas con una actitud de femme fatale, cambian de espacios, de poses y sonríen falsamente, se tocan muy ligeramente y se asimilan sensuales, hay solo tres diálogos en la pieza: “¿te gustan mis zapatos?”, “¡pose!” y “yo soy Mujer” solo una de ellas los repite, la central, la spice girl líder.

Si por algún momento pasó por las cabezas de estas chicas que de alguna extraña manera con esta pieza defendían su derecho a ser mujer y existir libremente temo decirles que se equivocan, por cinco sencillas razones:

  1. El cliché de la femme fatale con poca ropa, ‘soy poderosa porque tengo este cuerpo’, lo cual no me parece mal, creo en que la mujer sea dueña de sí misma y que decida libremente si utilizar o no, su cuerpo como capital sexual o erótico. Pero al presentar un estereotipo que no evoluciona y nos dice “yo soy mujer”, ¿qué quieres decir?, ¿qué esa es la única forma de ser mujer?
  2. Si ya vemos en los medios: la televisión, el internet, las propagandas y espectaculares, cómo constantemente nos representan como cuerpos sin voz y sin rostro para un goce que no es nuestro, si ya existen y justo son el problema esos estereotipos con los que somos hipersexualizadas y cosificadas ante la sociedad, entonces ¿qué sentido tiene repetirlos en la escena?
  3. Pero no solo eso, para qué repetirlos sin una reflexión, sin un porqué o peor ¿solo porque se ve bonito? Para mí un trabajo así está lejos de ser bonito y muchos menos interesante.
  4. No hay una construcción del discurso a partir de la estética que presentan, no hay desarrollo, no hay clímax. La obra permanece monótona, muerta, no existe una conclusión, y si no hay conclusión, quiere decir que la pieza no está cuestionando, mucho menos reflexionando solo está representando, repitiendo, está cargando la escena de símbolos e imágenes de manera indiscriminada e irresponsable.
  5. Esto nada más nos muestra a manera de propaganda barata que somos vistas como un objeto sexual que no piensa ¿nada nuevo no? Justo eso contra lo que luchas todos los días al salir sola a la calle. Luego puede que me equivoque pensando que hubo un error en el planteamiento escénico y no en el discurso, y quizás y solo quizás esto que yo describo fue justo lo que se trató de decir con la pieza.

Y de repente a manera de destello algo real dentro de todo eso sucedió, la notoria incomodidad de una de las chicas al realizar la pieza, dudo fervientemente que haya sido una elección, es decir una indicación en la dirección de la intérprete y que este elemento esté prediseñado y sea consciente.

Mientras las otras dos femmes fatales se regocijaban en su “sensualidad”, una de ellas no podía evitar mostrarse incómoda realizando esos movimientos y esas poses en ropa interior delante de tanta de gente. ¡Por fin algo vivo! Algo sincero y que realmente nos lanzaba una reflexión: si la chica no estaba de acuerdo con el discurso, con lo que le hacía sentir la pieza, o con exponerse de esa manera, ¿por qué lo hizo?, ¿Fue un reto que tomo como intérprete? ¿O quizás solo fue presión social? En el programa aparecen los nombres de otras dos chicas que no participaron en la pieza ¿Por qué? ¿Será que ellas tampoco se sentían cómodas? ¿Será que me equivoco?, ¿tú también lo notaste?, ¿qué piensas? A ti como mujer ¿qué te hizo sentir Femme? A ti como hombre ¿qué te dio a entender? ¿Quién tiene la verdad?, y a ti ¿te gustan mis zapatos o mis ideas?

CINCO DOSIS DE MUERTE EN DO PARA LA LIBERTAD

Dirección: Carlos Contreras / Elenco: Claudia Paola Ávila, Katur Bejarano, Gabriel Monroy y Carlos Contreras.

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Una instalación saturada de símbolos que nos hablan del consumismo y del capitalismo que nos enferma puestos en escena a manera de collage, uno muy kitsch y en paint, que recurre a lugares comunes de estos temas, como lo son el consumo de hamburguesas (comida rápida), o las colillas de cigarros a granel y que además le apuesta al efectismo que tiene la reacción biológica y natural de ver vomitar a otra persona.

Así termina la primer parte de nuestra bitácora de VISO, aprovechamos para decir una vez más que lamentamos habernos perdido la función del domingo, el día en que el circo contemporáneo se hizo presente en esta plataforma, ¿tienes algo que contarnos sobre ese día? ¿De VISO? ¿No estas de acuerdo con nosotros? ¿Tienes alguna queja o comentario? ¡POR FAVOR ESCRÍBENOS!

Fotografías Cortesía de ISC para VISO y Sombra Emergente

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